Wir freuen uns sehr, hiermit die Preisträger:innen des 39. Kurzfilm Festival Hamburg zu verkünden!

INTERNATIONALER WETTBEWERB

Jury: Nawar Al Qassimi, Patrick Holzapfel, Adina Pintilie, Emilie Poirier, Yulia Serdyukova

HAMBURGER KURZFILMPREIS (3.000€):
Enrique Pedráza-Botero, Faye Tsakas - Alpha Kings
Jury Statement: "We would like to give the main award ex aequo to a film that depicts emptiness without artifice in a very new contemporary setting. The filmmakers are bringing us into the world of online financial domination without judgment while maintaining a healthy and critical distance from their protagonists. Through online videos, live streams and hand-held camera moments, themes like sexuality, hyper masculinity, erotic labor, power dynamics and gender performativity are addressed in a very agile and delicate way. The Best Short Film of the competition goes to Alpha Kings : an observational film that skilfully presents the dichotomy between the Masters and their subs in their transactional relationship and the loneliness in the everyday life of some American teenagers."

Karla Crnčević - Wild Flowers
Jury Statement: "We would like to give the main award ex aequo to a film that touched us with a dialogue between a daughter and a father about a video he recorded thirty years ago documenting the traces of war at the family’s house. What seems rather simple at first sight opens up different layers of memories, both personal and collective, as well as a longing for family and home, all overlapping like the petals of the eponymous flower. In a time in which the violence and scars of wars seem to swallow every hope, the film makes us realize that the appearance of beautiful flowers growing out of ruins on an old videotape can mean the world."

DEFRAMED PREIS (2.000€):
Douwe Dijkstra - Neighbour Abdi
Jury Statement: "We would like to give the Deframed award to Neighbour Abdi, a film that presents a harsh reality in a unique and unconventional way. In this film, producer Douwe and Abdi work together to recreate scenes from Abdi’s hometown of Mogadishu. The film takes us from the studio to the ruined city showing us the process of making, collaboration, memory and trust between the two individuals. An omnipresent green screen appears and disappears as we move through the film; a reminder of the trauma that we carry with us as individuals."

HAMBURG SHORT FILM CANDIDATE FOR THE EUROPEAN FILM AWARDS:
Joseph Wilson - I can see the sun but I can’t feel it yet
Jury Statement: "In the spirit of Hamburg Short Film Festival's core curatorial concept - to acknowledge and support unconventional and thought-provoking works, which challenge the boundaries of cinema as a medium, our nomination for the European Film Awards goes to a conceptual and performative tour de force, an irreverent celebration of freedom - both the freedom to decide over our bodies, identities and loves, and that of cinema as the language of our deepest longings and shadows. Shifting unpredictably, and sensuously, between memory and dream, pain and breathtaking beauty, incisive satire and raging poetry, the film is a wild and life-affirming tribute to the queer body’s power and beauty. To paraphrase the filmmaker “a monument to youth and love within us”. The European Film Academies Short film nominee is “I Can See The Sun, But I cannot feel it yet”, by Joseph Wilson."

LOBENDE ERWÄHNUNG:
Shuli Huang - Will you look at me
Jury Statement: "​​There are many different ways to deal with prejudices and the wounds they cause. This film shows how oppressive systems hurt all sides of this vicious circle. While a son turns to his mother in search of recognition and acceptance, healing is hardly possible, but shared pain and mutual compassion create a space where love persists against all odds. The special mention of the competition goes to a film that explores the complexities of family connections in a way that is both strikingly intimate – and universally human: Will You Look At Me by Shuli Huang."

DEUTSCHER WETTBEWERB

Jury: Clara Helbig, Dani Rosenberg, Ulrich Ziemons

DEUTSCHER WETTBEWERB JURYPREIS (2.000 €):
Rita Macedo - Farewell recording for an observer of an unknown time and place
Jury Statement: "Set in the liminal wetland space between the real and the virtual, this film is a highly inventive sci-fi eco-dystopia. Touching on planetary collapse and the outsourcing of intelligence, the director zooms into urgent issues of the now and sculpts an equally seductive and menacing vision that functions as a warning at crossroads."

DEUTSCHER WETTBEWERB LOBENDE ERWÄHNUNG:
Camille Tricaud, Franziska Unger - Slow down the fall
Jury Statement: “This intimate drama, virtuously staged against the backdrop of an imposing landscape, questions the sacrifices we are prepared to make for personal success – whether in life or in sports. A cinematic tour de force, that at its core is a search for truth."

DREIFACHER AXEL WETTBEWERB (1.000€):

Simon Ellis - The Terminator
Der Publikumspreis wird von der Hamburgischen Kulturstiftung unterstützt.

ARTE AWARD:

Moe Myat May Zarchi - The Altar
Der ARTE-Kurzfilmpreis besteht aus dem Ankauf eines Filmes (bis zu 6.000 Euro) durch ARTE, den deutsch-französischen Kultursender, und wird wettbewerbsübergreifend verliehen. Der prämierte Film wird bei ARTE im Kurzfilmmagazin »Kurzschluss« ausgestrahlt.
Jury-Statement: "Eine geflüsterte Erzählung legt sich über schwarz-weiße Bilder, die nach und nach von Animationen kolonisiert werden. Die Erzählerin spricht über die Macht, die sie über eine Ameise ausübt, die in einem Waschbecken gefangen ist: Soll sie ertränkt werden oder nicht? Die Erzählung verlässt dann das Intime und nimmt eine sozio-politische Wendung: Was wäre, wenn wir alle Ameisen wären? Für seine gewagte und zerbrechliche Konstruktion, für die Universalität seiner Aussage geht der arte-Preis an The Altar."

PUBLIKUMSPREIS (1500€):

Fariba Haidari - Leila
Der Publikumspreis, dotiert mit 1.500 Euro, geht wettbewerbsübergreifend an einen Film aus dem Internationalen oder Deutschen Wettbewerb.

MO&FRIESE JUNGES KURZFILM FESTIVAL:

Friese-Preis: Marjolaine Perreten – Pebble Hill , lobende Erwähnung: Anne-Sophie Gousset – To be sisters
Mo-Preis: Samy Sidali – P.D.O., lobende Erwähnung: Andrew Brand – Buzz
Neon-Preis: Justine Martin – Oasis, lobende Erwähnung: Kantarama Gahigiri – Terra Mater
Nominierung ECFA Kurzfilm Preis: Nathan Clement – The truth about Alvert, the last Dodo

Ausstellungseröffnung, Text: Melike Bilir

„Mehr Licht” sagte Goethe auf seinem Sterbebett. Als Künstler und Wissenschaftler, trieb ihn die Sehnsucht nach mehr Licht ein Leben lang. Nicht nur während der Zeit der Romantik, sondern zu allen Zeiten suchten Pharaon:innen und Astronom:innen, Philosoph:innen und Physiker:innen, Priester:innen und Maler:innen nach Methoden, Licht zu begreifen und ihm mächtig zu werden. Die Kulturgeschichte ist reich an Mythen und Legenden, Theorien und Erfindungen. Sie alle handeln vom Wesen des Lichtes, da es Teil unserer Erfahrungen und unseres Bewusstseins ist.

Licht ist allumfassend und berührt alle Bereiche des menschlichen Lebens. Systematisch erfassten als Erste die Philosophen der Antike Licht in ihren Theorien. Fast 1000 Jahre war die platonische Lehre, die vor allem die geistig-innerliche Dimension des Lichts betonte, Basis für alle nachfolgenden Lichtkonzepte – von der Optik über Architektur bis hin zur Philosophie. Mit dem Beginn der Neuzeit wurde sie verdrängt und damit dem Licht seine geistige Bezugsgröße entzogen. Dieser Bruch kennzeichnet einen entscheidenden Moment in der Geschichte des Lichtes und ist die Grundlage für unser heutiges Verständnis.

Im 21. Jahrhundert wird der Charakter des Lichtes neu diskutiert. Licht ist lebens- und damit kulturgestaltend. Elektrisches Licht ist die Grundlage unseres modernen Wirtschafts- und Gesellschaftssystem. Dabei steht die Bedeutung und Wirkung des künstlichen Lichts auf Mensch, Ästhetik und Raum zur Debatte.

Und hier kommt Luftwerk ins Spiel: Luftwerk (Petra Bachmaier & Sean Gallero) erforschen Licht, Farbe und Wahrnehmung in ihren Installationen. Seit der Gründung im Jahr 2007 hat Luftwerk ein umfangreiches Werk geschaffen, das von ortsspezifischen Installationen bis hin zu experimentellen Projekten reicht. Petra Bachmaier, hat einen Master of Arts von der HfbK in Hamburg und einen Bachelor of Fine Arts von der School of the Art Institute in Chicago (SAIC). Sean Gallero, studierte am Lehman College in New York Kunst und Geisteswissenschaften. Er setzte sein Studium an der School of the Art Institute Chicago (SAIC) fort, wo er im Jahr 2000 seine Zusammenarbeit mit Bachmaier begann.

Licht und Farbe sind die wichtigsten Elemente in den Arbeiten von Luftwerk. Ihr Interesse gilt der Macht des Lichts als entscheidendes Element des Sehens, dessen dynamische Beziehung zur Farbwahrnehmung erforscht wird. Durch den Einsatz verschiedener Modalitäten - wie unter anderem Projektion von Videos, Schattenwurf - integrieren sie Licht in jedes Projekt, um seine flüchtige und sich verändernde Natur zu erforschen. Im Wesentlichen schafft Luftwerk visuelle Atmosphären durch den Einsatz von Licht und manipuliert die Aufmerksamkeit der Betrachter mit leuchtenden Farben, um faszinierende Erfahrungen zu schaffen. Petra und Sean beschreiben, dass bei jedem Projekt von Luftwerk die Farbe der Schlüssel und das Licht der Kern ist. Die Kombination von Licht und Farbe verleiht ihrer Arbeit eine dynamische Ebene, die die Wahrnehmung des Publikums verändert.

Was ich außerdem hervorheben möchte: Trotz vielen Neuerungen schleppt LICHT diese ganze Tradition von Mystik und Symbolik mit sich herum. Dauernd hatte es etwas zu repräsentieren: Christus, göttliche Inspiration, Wahrheit, Aufklärung, sogar den Sozialismus. Generell wurde Licht immer vor allem dazu benutzt, andere Dinge zu enthüllen. Bei Luftwerk geht es darum, dass sich das Licht selbst offenlegt als Licht. Das Licht symbolisiert nichts anderes. Es ist, was es ist. Befreit von Traditionen, Mystik und Symbolik behandeln sie das Licht als Materie - als Material.

SCENOGRAFIE OF SPACE

Eine Inspiration für diese Installation SCENOGRAFIE OF SPACE, die bildende Kunst & Film zusammenbringt, war Hans Richters Film „Rhythmus 21“. Hans Richter war ein bedeutender deutscher Künstler und Filmemacher des 20. Jahrhunderts, der für seine avantgardistischen Werke bekannt war. Einer seiner bemerkenswerten Filme, "Rhythmus 21" aus dem Jahr 1921 gilt als einer der frühesten abstrakten Filme überhaupt und wird als „Schlüsselfilm der Moderne“ bezeichnet. In diesem Film erforschte Richter die Darstellung von abstrakten Formen, Bewegungen und Rhythmen. Der Film besteht aus tricktechnisch bewegten geometrischen Formen und Mustern. Schwarze und weiße Quadrate erscheinen in Auf- und Abblenden auf der Leinwand. Sie scheinen sich manchmal von einer Seite des Bildfeldes auf die andere zu bewegen, manchmal vom Vorder- in den Hintergrund.

Rhythmus wurde in Schwarz-Weiß gedreht und dauert etwa 3 Minuten - wie auch die Installation Scenografie of Space, die hier im Loop gezeigt wird. "Rhythmus" hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf viele nachfolgende Künstler:innen und Filmemacher:innen und diente wie bereits gesagt auch als Inspiration für Luftwerk. Die künstlerische Praxis von Luftwerk mit ihrem Schwerpunkt auf Licht, Farbe und choreografierten Projektionen ist konzeptionell verwandt mit Richters Erforschung abstrakter Formen und Rhythmen. Mit ihrer Arbeit erweitern Luftwerk Richters Erbe und schlagen eine Brücke zwischen Film und bildender Kunst. Durch die Einbeziehung von Lichtprojektionen und Techniken (bei Luftwerk: Motoren / Stoffbahnen) erweitern sie die Grenzen des Mediums und entwickeln eine einzigartige Bildsprache, indem sie die Möglichkeiten von Film und bildender Kunst durch ihren innovativen und grenzüberschreitenden Ansatz erweitern.

Und wenn wir bei Wahrnehmung sind, sind wir auch gleich im NOW unserem Thema des Kurzfilm Festivals Hamburg. Ein erweiterter Begriff medialer Kunst bindet auch den Einsatz von Licht und Bewegung als künstlerisches Material ein. Bereits in den 50er Jahren beschäftigten sich Künstler:innen der Gruppe ZERO wie Heinz Mack, Otto Piene und Günther Uecker mit Licht als gestalterischem Mittel. Ihr Anliegen war es, Malerei auf ihre Bedingungen, nämlich insbesondere das Licht als zugrunde liegendes Element, zurückzuführen. Dabei verließen sie allerdings die Technik der Malerei mit Farbe und Leinwand und gestalteten räumliche Werke, die Schatten warfen oder Reflexionen hervorriefen und Bewegung in ihr Konzept einbezogen. Es entstanden Arbeiten, deren Eindruck sich je nach Betrachterstandpunkt verändert. Heinz Mack betrachtet nicht die Farbe oder andere formale Komponenten, sondern deren räumliche Organisation und Bewegung als die eigentliche Form künstlerischer Arbeit.

Auch Scenografie of Space von Luftwerk arbeitet als raumbezogenes Kunstwerk mit der Einbindung einer variablen Betrachterperspektive. Während der:die die Besucher:in den Raum durchschreitet, gibt es keinen festgelegten Betrachterstandpunkt, der eine optimale Wahrnehmungsperspektive vorgibt. Die Bewegung und Orientierung im Raum ist dabei ein beabsichtigtes Element der Besuchererfahrung.

-- Melike Bilir --

SCENOGRAPHY OF SPACE
Open Space @ Festivalzentrum Post
Täglich ab 11 Uhr geöffnet, geführte Tour am Freitag 13 Uhr

Neben 133 Wettbewerbsfilmen zeigen wir auch ausgewählte, kuratorische Programme in den Sektionen „Labor der Gegenwart“ und „Archiv der Gegenwart“. In diesem Jahr führen wir den 2022 begonnenen Fokus auf migrantischen Film in Deutschland fort – und blicken außerdem auf zwei jugoslawische Filmschaffende und ihre Arbeiten in und aus Deutschland.

LABOR DER GEGENWART: DENK ICH AN DEUTSCHLAND

„Denk ich an Deutschland in der Nacht, dann bin ich um den Schlaf gebracht.“ In Anlehnung an diese Zeilen Heinrich Heines, mit denen bis heute hiesiges problematisches, politisches Geschehen kommentiert wird, blickt das „Labor der Gegenwart“ kritisch auf Deutschland. Eine subversive, aktivistische, aber auch lustvolle Haltung verbindet die fünf Filmprogramme in dieser Sektion. Sie begegnen der komplexen deutschen Geschichte filmisch mit einer Vielstimmigkeit aus Identitäten und Kulturen.

Das Programm „Auf dem rechten Auge blind“ (kuratiert von Florian Wüst) bündelt filmische Reaktionen auf rechtsextreme Gewalt und strukturelle Blindheit der staatlichen Institutionen gegenüber Rassismus und Fremdenfeindlichkeit. „Das schönste Fenster der Welt“ (Florian Wüst) collagiert diverse TV-Ausschnitte und zeigt, wie unkonventionell, progressiv und nahezu aktivistisch Massenkommunikation jenseits von Einschaltquoten in der BRD sein konnte und kann. „Oh pleasure up yours!“ (Mara Marxsen) weiß um das komplexe Verhältnis von Geschlecht, Lust, Macht und Bildern, feiert aber gleichzeitig die Lust an Filmen und die Lust durch Filme. Wilde, wütende Filme treffen im Programm „Alltag und Aufruhr. Gegenerzählungen aus der DDR“ (Conny Klauß) auf Widerstandsnester, Alltagsbeschreibungen und den Verdruss einer erschöpften Gesellschaft. Und „Wir müssen reden“ (Sarnt Utamachote) zeigt die Vielfältigkeit der Migrationsgeschichten vom asiatischen Kontinent nach Deutschland auf und macht deutlich, wie sich die Filmemacher:innen in der Geschichte, die sie erzählen, positionieren.

ARCHIV DER GEGENWART: IM GEGENLICHT

Das Archiv der Gegenwart, kuratiert von Tobias Hering, beschäftigt sich in zwei Programmen mit den jugoslawischen Filmschaffenden Irena Vrkljan und Želimir Žilnik.

Želimir Žilnik gehörte Ende der 1960er Jahre zu den bekanntesten Regisseur:innen der „Schwarzen Welle“ – eine Reihe an Filmen, die sich kritisch mit der jugoslawischen Gesellschaft beschäftigten. Mitte der 1970er Jahre zog er für einige Zeit nach München und legte auch in seinen hier entstandenen Filmen den Finger auf wunde Punkte, thematisiert Ausländer:innenfeindlichkeit und strukturelle Gewalt in der westdeutschen Gesellschaft. In Anwesenheit von Žilnik zeigen wir in Deutschland gedrehte Kurzfilme, von denen einige lange als verschollen galten, unlängst jedoch in verschiedenen Archiven wieder aufgetaucht sind.
Irena Vrkljan war Dichterin, Filmemacherin, Übersetzerin und Hörspielautorin. Sie lebte 50 Jahre zwischen Berlin und Zagreb, schrieb und erzählte vom Leben zwischen diesen Welten, die nicht zusammenkamen und doch untrennbar wurden. Als sie 1966 ein Regiestudium an der neu gegründeten dffb in Berlin begann, war sie 36 und in Jugoslawien bereits als Fernsehautorin und Dichterin etabliert. Die vier Filme, die sie an der dffb realisierte, sind Ortserkundungen einer Rutengängerin, Geschichten vom „Schattenberlin“, aber auch kritische Positionierungen zur politisch bewegten Generation, der sie angehörte.

Das vollständige Programm erscheint Mitte/Ende Mai online auf festival.shortfilm.com

Filmstill: FAQ (Mariama Bah, Lea Kaiser & Jonas Riedel)